EXPO de Pintura de F. Zamorano

 

 PRESENTACIÓN DE LA EXPOSICIÓN DE PINTURA

 

DE FRANCISCA ZAMORANO 23-11-04

 

   

          Hace ya unos años – diría cuántos y seguro que no acertaba porque el tiempo pasa con traidora y vertiginosa rapidez – hace ya unos años – decía – nuestra amiga Paquita, nuestra artista invitada, me comentó que se había lanzado definitivamente a un proceso intenso de formación en y para la pintura.  La ilusión que transmitían su gesto y sus palabras me hicieron pensar que conseguiría, con seguridad, lo que se propusiera.

Casi lo tenía ya olvidado – lo confesaré – cuando un día ella vino a proponerme la posibilidad de realizar en esta Sala una exposición colectiva del grupo de personas que, junto con ella, se habían lanzado a esta noble práctica... y todavía perseveraban.

Me pareció magnífico poder dar este espaldarazo. He de confesar que entre mis múltiples frustraciones figuran tres relativas al arte: una la de ser escritor, otra la de dirigir una orquesta, y la última la de no saber pintar. Sabía yo, por otra parte, lo dificultoso que resultaba creer en uno mismo como creador y el valor que era preciso para sacar a la luz pública algo de valor. Aquel día tenía delante de mí a una persona capaz de todo eso y  seguro que de mucho más. Así que, sin pensarlo un momento le dije que sí y pusimos en marcha la exposición.

Después de esa colectiva, esta Sala tuvo la suerte de recibir otra exposición de Paquita, ya individual. Más tarde, con ocasión de las colectivas con que conmemoramos los 25 años de este Instituto, participó en la última de ellas junto a Maribel Lorén, Emilio de Arce, Izaskun Arrieta y Emilia Domínguez. Hoy tocaba individual. Y en ella estamos.

Tu amigo y maestro Emilio de Arce – amigo nuestro también y compañero querido y añorado –, cuando celebraste aquí tu primera exposición individual, me decía en un aparte: “Esta Paquita llegará lejos: sabe y quiere”. Era bueno Emilio, también pronosticando. Porque tú sabrás – yo ya no – cuántas han sido tus exposiciones y cuántos los premios y menciones honoríficas que tu obra ha cosechado.

       Yo recuerdo de tu obra la valentía y el amor al riesgo que siempre quisiste y supiste afrontar: 

    •           Valentía para elegir cromaturas: siempre tu paleta de colores ha sido fuerte, valiente: tus rojos – y familia -, tus ocres-amarillos – y familia. Recuerdo la fuerza de aquellos ¿lirios? de tu primera época.
    •        Valentía para dejarte caer – o lanzarte – hacia la abstracción: la realidad como referente inmediato se fue desdibujando pronto en tu pintura. Así lo pudimos observar en tu primera exposición individual del Zurita.
    •         Valentía para abrazar definitivamente la pura abstracción y  para no estarte quieta nunca: ante tus cuadros difícilmente podemos decir “Ah, sí, claro; ya recuerdo” No hace mucho otra colección de tu obra caminaba por la pura abstracción y trabajaba grandes masas de color. Aquellos cuadros tenían un cierto aire de quietud, orden y estabilidad en la composición.

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          Hoy podemos contemplar aquí dos grupos de obras: estos cuadros de pequeño formato que constituyen una especie de puente entre lo que hacías tres o cuatro años atrás – cuando el 25 aniversario – y esta otra serie de formato mayor que has dado en titular”. Forman un conjunto de cuadros que a mí me parecen enormemente dinámicos, fragmentos de movimiento, fugas.

 

 “Entropía y orden”. Buen título genérico: desorden y orden. Estos 8 cuadros proponen – en tus características cromaturas – un movimiento  en desorden sólo aparente: un desorden pautado por el orden. Las potentes manchas cromáticas que los componen están marcadas por un principio geométrico a veces estructural, a veces más o menos explícito en figuras geométricas dibujadas o en trazos y figuras incisas, como arañadas al lienzo, a la piel y alma del lienzo que es la pintura.

Ahí están. Ellos hablan mejor que yo.

Paquita, gracias por tu obra y por tu testimonio de tesón y valentía.

Queden aquí mis palabras como un tributo de gratitud y admiración.

  

 
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ALBERTO GÓMEZ ASCASO

 

EXPOSICIÓN DE ALBERTO GÓMEZ ASCASO

Escultura

 

       Siglo XX, crisis del arte representativo
  • Las impresiones-> la intimidad del artista-> su interpretación de la realidad -> el surrealismo--> la abstracción
  • Crisis de las técnicas clásicas: perspectiva, simetría, proporciones, estructura anatómica
  • Búsqueda de nuevos materiales: “l’arte povera”, materiales sintéticos,...

Escultura de A. G. A.   -> neofigurativismo

 

  • Tema central (¿único?) el ser humano, la figura femenina
  • Figura desnuda hasta de fisonomía (rostros planos,universales) desprovista de sensualidad de morbidez de la carne sin la estructura anatómica “real”, de canon clásico. 
    materia = espíritu, figuras filiformes (Giacometti)
  • G. A. representa   --el movimiento o quizás la tensión hacia lo que no es El mar, La ciudad, Padre con su hijo escuchando a Bach)

la palpitación interna y el gesto resultante (Caminante(Voluntad de poder),Maternidad caminando, Adrián y el arte ) 

     Se define en artecon homenajes a maestros Rembrandt, Rubens pero mostrando su estética, su propio equilibrio y proporciones, la fragilidad como canon propio,como inteligencia, razón, consciencia 

  • Texturas: El tratamiento de la material escultórica es tosco, textural, deja ver huelas de manos, de espátulas, texturas que refuerzan la textura humana de personajes, su tensión interna.

  • Materiales:Clásicos (bronce, piedra de Gallocanta, de Calatorao...)
                    Modernos (poliéster, fibra de vidrio)

 

      Arte moderno, renovador y sugerente. Para ser sentido y pensado, no sólo visto. Para entender lo humano más allá de la anatomía, la belleza clásica de las Proporciones, del paisajes que aquí no se ve: nos lo ven los personajes
     
   
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EXPO. DE José de las Muelas

EXPOSICIÓN de

JOSÉ DE LAS MUELAS

ESCULTURA

 

    Es para mí un placer especial presentaros hoy la obra escultórica de José de las Muelas. La escultura no suele faltar en la programación de esta Sala – no en vano José Miguel la ejerce con la calidad que todos le conocemos – pero ya hacía un tiempo que no se presentaba en este Centro.           

Hoy tenemos ante nosotros la magnífica obra de un artista de curiosa y destacable trayectoria. Hasta 1995 su actividad laboral no le permite ejercer a plena dedicación la creación artística, esta con que hoy nos deleita. Atrás han quedado su formación inicial en la Escuela de Artes y Oficios de Cuenca, su ciudad natal, y su aprendizaje en distintos talleres hasta conseguir entre los años 50 y 52 cinco premios regionales y nacionales en la especialidad de Torno en Madera y en la de Modelista de Fundición. Trabaja después como especialista en ebanistería en distintos talleres de Cuenca y de Zaragoza.

Cuando en 1995 decide dedicarse plenamente a la talla y escultura, no tarda en participar en exposiciones colectivas e individuales que se suceden ininterrumpidamente desde 1996 hasta ahora. De camino quedan los dos primeros premios – en 2006 y 2007 – en el Certamen Nacional de Artes Plásticas “Raquel Meller” de Tarazona.

Pero lo que realmente hoy nos interesa a nosotros es la calidad de esta obra que tenemos delante y que podemos admirar sin tener que echar mano de testimonios o valoraciones ajenas.

Cabría destacar, en primer lugar, en tu obra – permíteme el tuteo - la estética clásica en la composición y acabado de tus obras. El exquisito torneado y pulido de tus piezas, su cuidado minucioso del detalle de terminación hablan a las claras de tu preciosa formación artesana.

Otro detalle digno de consideración es que tus obras son esculturas de una sola pieza a pesar de que hay algunas cuya estructura facilitaría la ejecución por partes. Cumples maravillosamente aquella definición un tanto irónica de la escultura como “un arte sencillo que consiste en coger un bloque de mármol, de piedra o de madera y quitarle lo que sobra”. Resulta estupendo en obras como tu Aurora boreal ver de qué maravillosa manera has conseguido “quitar lo que sobraba” y montar ese magnífico juego de materia, forma y espacio. Es uno de tantos ejemplos aquí presentes de verdadera y esencial escultura.

Otro aspecto de tu obra – de la presente y de la que no tenemos aquí – es la soltura con que te mueves entre la figuración y la abstracción sin hacer de ello una evolución que se mueva inexorable con el paso del tiempo sino acomodando la técnica – se podría decir - a las necesidades marcadas por tu inspiración. Así nos encontramos piezas como la citada Aurora boreal(2006) o mi preferida Extravagancia(2010) que son fruto de tu creación en la misma fecha o posterior que Albornoz (2009).

Así que, sin hablar de cronología, podríamos distinguir tres grupos de obras según su opción más o menos neta por la figuración o la abstracción:

  • El primero lo formarían obras que claramente optan por un realismo figurativo como Concertista, Venus, Adolescente, Símbolo farmacéutico o Planta con flor amarilla y otras tantas
  • El segundo grupo lo constituyen obras que o bien saltan las bardas del puro realismo como ese Albornoz desprovisto de figura humana o esa variación estética sobre el tema del Porrón, o bien se van desprendiendo de formas reales camino de la abstracción como Titiriteros II, Fauna picassiana, Planeta azul, Saturno, Eclipse de luna, estela espacial,...
  • En el tercer grupo formarían piezas que optan claramente por la abstracción como Cordón simétrico, Aurora boreal, Extravagancia, Punto de Encuentro, Aurora boreal, o Ecos.

He de confesar que, dados mis gustos personales que no tienen por que ser comunes, mis preferencias se decantarían por Extravagancia – ayer le avisaba a José que, si a lo largo de la exposición desaparece esta pieza, puede ponerme a la cabeza de la lista de sospechosos –, por Aurora boreal o por Punto de encuentro que con gusto hubiera utilizado como ilustración de uno de los relatos – del mismo título – de mi último libro. Me parecen también magníficas piezas Concertista, Planta de flor amarilla, Saturno, Eclipse de luna,… por citar solo algunas y no otras que también lo merecerían.

Para terminar querría comentar tu paleta temática que, además de los temas espaciales que tienen en esta muestra un buena representación, incluye la figura humana (Venus, Concertista, Adolescente o Titiriteros), la figura animal (Fauna picassiana, Símbolo farmacéutico), y los instrumentos musicales que quedan ausentes como tema de esta exposición pero me consta que también has elegido muchas veces como objeto de tus obras.                                                                           

He de comunicarte, José, que no solo a mí ha complacido esta obra tuya: cuando ayer vine a la Sala a echar el último vistazo que siempre me gusta dar, muchos de los compañeros a los que aclaré el motivo de mi visita me hicieron saber que les había gustado mucho lo que habían visto – algunos de ellos no habían llegado a ver la exposición montada. Estoy seguro además de que va a ser también del gusto de nuestros alumnos, destinatarios últimos de esta muestra, y de que además les va a enseñar mucho sobre tu arte, la escultura.

Y es que no podría ser otro el resultado de la contemplación de esta obra madura, serena, fuerte y estéticamente exquisita con que nos regalas hoy en esta Sala.

Gracias, José, y que no sea la última.

Un admirador de tu obra: Javier Gracia. 

 

 

Premios

  • Primer Premiodel III Certamen Nacional de Artes Plásticas “Raquel Meller”, en la modalidad de Escultura, con el título de obra “El concertista”, celebrado en la localidad de Tarazona (Zaragoza) en el mes de Octubre de 2007.
  • Primer Premiodel II Certamen Nacional de Artes Plásticas “Raquel Meller”, en la modalidad de Escultura, con el título “Homenaje a Raquel Meller (conjunto escultórico)”, celebrado en la localidad de Tarazona (Zaragoza) en el mes de Octubre de 2006.
  • Título de Vencedor, en la especialidad de Modelista de Fundición (categoría A). Fase Provincial del VI Concurso Nacional de Formación Profesional Obrera. Celebrado en Cuenca, julio de 1952.
  • Mejor aprendiz y Campeón de España, en la especialidad de Torno en Madera. Fase final (Cartagena, Madrid, Sevilla, Santander, Pamplona, Bilbao y Badajoz) del V Concurso Nacional de Formación Profesional Obrera. Celebrado en Madrid, noviembre de 1951.
  • Campeón de Sector, en la especialidad de Torno en Madera. Fase interprovincial (Valencia, Cartagena, Murcia, Almería, Albacete, Zaragoza y Barcelona) del V Concurso Nacional de Formación Profesional.
  • Título de Vencedor, en la especialidad de Torno en Madera. Fase Provincial de V Concurso Nacional de Formación Profesional Obrera. Celebrado en Cuenca, en septiembre de 1951.
  • Título de Vencedor, en la especialidad de Torno en Madera. Fase Provincial del IV Concurso Nacional de Formación Profesional Obrera. Celebrado en Cuenca, en junio de 1950.
   
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EXPO. de Teresa Paniego

TERESA PANIEGO

Grabados

 uno            Hace ya meses, quizás algún año que otro, se celebró en esta misma sala una exposición titulada ZURITA EN TINTA que reunía los trabajos realizados por nueve compañeros y amigos de esta casa. Discretamente escaqueada en esa lista, a petición propia, estaba Teresa Paniego, nuestra Maite, que hoy por fin se ha quitado esa careta de coleguilla para mostrársenos como lo que entonces también fue: la maestra grabadora, la magistral artista que hoy nos deleita con sus obras.

      Recuerdo que en aquella ocasión les contaba a tus ocho compañeros-discípulos la historia de Silvestre, el leñador hijo y nieto de leñadores, que abandonó su noble oficio para dedicarse a la música de su flauta de pan. Les advertía a ellos, no a ti, que corrían el peligro de ser seducidos por el arte en que habían practicado. El mensaje no iba dirigido a ti que ya no tenías remedio: estabas definitivamente seducida por el arte del grabado.

          Ya aquella exposición, de la que eras el alma mater, llamaba la atención por el alarde de posibilidades y capacidades técnicas que exhibía. Hoy nos has certificado de dónde provenía aquel alarde. Esta exposición reúne no seis, como aquella, sino TRECE técnicas diferentes de grabado. Un abuso. Un hermoso y plausible abuso:

Xilografía,

Punta seca sobre muy variados e imprevisibles soportes (metacrilato, plancha de plástico, de CD,etc…),

Calcografía,

Aguafuerte (al azúcar con craquelado, sobre plancha de zinc, etc…),

Litografía,

Litografía sobre plancha de cristal,

Linograbado,

Linograbado a la plancha perdida,

Gofrado,

Electografía,

Collagraph, y

Método Hayter…

            Para aquella muestra de ZURITA EN TINTA me documenté un poco en técnicas de grabado. Con eso y con tus explicaciones y las de José Luis quedé servido para aquella ocasión y esperaba que también para esta. Pero hete aquí que recibo por correo electrónico la imagen del grabado que ha sido portada de esta exposición y me encuentro con que, por mucho que la amplío y me la acerco en el ordenador no consigo sospechar siquiera cuál es la técnica empleada esa FIESTA DE COMETAS. Hube de leer días más tarde en esta Sala la cartela que acompaña al grabado para enterarme de su nombre: método Hayter. Poco después Internet me anticipaba una descripción de esa técnica:

Técnica de impresión que se inventó y difundió en el taller del grabador Hayter. Consiste en entintar, con colores de distintas densidades y con rodillos de diferente dureza, la plancha de metal que ha recibido un comido en ácido de considerable profundidad. El color menos denso aplicado con el rodillo más blando penetra en los orificios y líneas más profundos. Como las tintas se superponen en el entintado, los colores se imprimen todos de una sola vez.

            Bueno, pues allí tenéis el milagro resultante.

       Pero no existen los milagros, existen la práctica insistente y metódica de los métodos y la sensibilidad artística. Se me viene a la cabeza que, sin ninguna duda, el componente de azar que conllevan técnicas como esta habrá conducido en muchas ocasiones a Maite a realizaciones malogradas de la idea que bullía en su cabeza, a grabados que habrán acabado en la papelera. Pero Maite habrá conseguido al final llevar a cabo ese proyecto, por ejemplo, en esta FIESTA DE COMETAS. Que también pudo salir a la primera, no lo sé.

        Hay otro asunto que me gustaría comentar a partir de esta exposición. El grabado ha sido bajado de rango entre las especialidades artísticas por el componente artesano que supone y porque, en principio, conduce a la posibilidad de la copia, de la obra de arte múltiple. El arte moderno ha dejado muy atrás esa minusvaloración de la elaboración artesanal de la obra de arte. Y respecto a la unicidad como valor, quiero haceros caer en la cuenta de que obras hay en esta Sala que, por la misma naturaleza de su técnica, son necesariamente monotipos, obras únicas; por ejemplo esos linograbados a la plancha perdida: Llamas e Invierno.

            Para terminar, quiero comentaros que no puedo sustraerme a la sensación de que toda esta exhibición de experimentación continua con soportes, técnicas y materiales no serviría de nada si no estuviera presidida y gobernada por el arte: arte en la misma selección de esos soportes, técnicas y materiales, en la composición de las formas, en la elección y composición de los colores, en la inclusión de materiales imprevisibles como ramitas vegetales, trozos de cuerda, pedazos de CD…

            La variedad, originalidad y capacidad artística que nos regalas en esta exposición, Maite, nos va a dejar para siempre deudores de tu obra. Procuraremos pagarte en admiración.

            Gracias por traernos otra vez tus estampas, tus grabados.

 
   
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EXPO. DE FOTOGRAFÍA Fernando Bel

F B G

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍA DE

FERNANDO BEL

 

   

 Hoy nos ha reunido en esta sala una exposición de fotografía de nuestro compañero, amigo y, desde hoy, admirado artista Fernando Bel. En el título de esta muestra, F B G, has vuelto a hacer alarde de la misma humildad y discreción con la que durante años nos has ocultado a quienes trabajábamos todos los días contigo esta afición tuya por la creación artística de la fotografía.

A la fotografía durante mucho tiempo se le reservó únicamente la funcionalidad documental y esta practicidad la apartó en el ánimo del público general de los territorios del arte. Eso sucedía mientras que, desde casi el comienzo, había artistas empeñados en cargar sus textos fotográficos de mensajes estéticos basados en la captura de imágenes “invisibles” por su instantaneidad, en la selección de hermosas formas presentes en los objetos más triviales, en los juegos de luces y sombras, en la perfecta descripción de lugares o de personas por una imagen tan bien elegida que pareciera creada para tal intención descriptiva, en la manipulación del proceso de revelado – antes – y en el montaje digital que facilitan las nuevas tecnologías – ahora -…

De estas cosas y muchas más son muestra estas piezas fotográficas que hoy nos presenta Fernando Bel.

Advierte oportunamente el programa de mano que la imagen es “un libre juego de significantes” al que primero el artista y después el contemplador otorgan sus propios significados. Los contenidos aportados por el creador y los captados por el espectador pueden coincidir o no y todos ellos son igualmente interesantes, todos forman parte del proceso de comunicación creativa. Días atrás, comentando con Fernando mis impresiones sobre esta exposición, me hacía ver que en ella hay piezas de significado o simbolismo bastante explícito y otras abiertas a cualquier interpretación porque parten de asociaciones de imagen absolutamente personales, en algún caso hasta surreales.

Querría comunicaros, de todas maneras, algunas reflexiones mías sobre obras de esta exposición. Para comenzar quiero resaltar el que me parece – explícito o subyacente - uno de los temas más visibles en esta exposición (el tema del tiempo o del tiempo-espacio) y aspectos argumentales más o menos directamente relacionados con ese tema como los atardeceres-anocheceres, los caminos o carreteras, la escultura y arquitectura, lo humano y lo deshumanizado…

La más notable de las plasmaciones de ese tema del tiempo-espacio es la suite, la secuencia quíntuple Carreteras secundarias. En ella todo es devenir temporal y espacial desde el encuadre base - el camino, la carretera - y la jornada de luz reproducida – de la mañana a la noche – hasta la velocidad – relación espacio-tiempo – estupendamente plasmada en las imágenes movidas. Todo ello montado en una secuencia narrativa de imágenes yuxta o superpuestas que sugieren al final la presencia humana.

Planteamiento semejante tienen las piezas Camino de Valdeltormo - con su secuencia de anochecer de cielo a suelo – o las reconstrucciones Camino de Valdeltormo y Alto de Ventas de Valdealgorfa. Pura recreación temporal representa la plasmación atardecer-anochecer del puerto de Valldemosa. Y la variación espacio en el tiempo inmóvil del atardecer sería Atardecer en Florencia.

El tema base del tiempo y su decurso aflora también en el grupo de tres magníficos retratos que aparecen a continuación: Jugando a ser visto o la niñez, Adolescente y Anciano en el mercado de frutos de Srimagar. Un hermoso ciclo de vida definido en imágenes perfectamente expresivas de la alegre inconsciencia del niño, de perplejidad y casi susto del adolescente y de cansancio a la vez sereno y activo del anciano.

En el montaje titulado Estados clásicos. Cuatro tiempos, esculturas y paisajes de las cuatro estaciones recrean de nuevo el tema del ciclo vital en el tiempo. El resto de la trilogía Estados clásicos. Pasión y Odio recrean esos sentimientos humanos apoyándose en dos conjuntos escultóricos de cuerpos humanos entrelazados – Pasión – y en una figura de dura agresividad combinada con un listado de judíos desaparecidos y muertos fotografiado en el Cementerio Judío de Praga.

Las espectaculares imágenes de los Gompas (monasterios) tibetanos de Lamayuru y Thisey – que formaron parte de los 108 monasterios que mandó construir un solo rey allá por el siglo X - me han parecido el documento de dos magníficos retos humanos a la naturaleza padecida y a la eternidad deseada.

Y quedan por repasar las cinco piezas en que, sin duda, aparece más clara la total arbitrariedad del signo artístico. La trilogía Paisajes vividos recoge vivencias personales asociadas a paisajes de París y Londres. “Son las imágenes que yo asocio a mi vivencia de esos paisajes. No sé lo que le parecerá a la gente”, me decía ayer Fernando.

Otro tanto podríamos plantearnos – si no creyéramos en la autonomía del arte – respecto a esa magnífica triple imagen del Ara Pacis enmarcado en una doble línea de maniquíes rojos. O a propósito de esa re-construcción de los Campos de París – que ya han dejado de ser Elíseos – enmarcados en un cielo submarino en el que vuelan-nadan enormes peces.

Ya me diréis si se os había ocurrido pensar que, a partir de la técnica de la fotografía - tan objetiva y documental ella -, nos iba a embarcar Fernando en tan desaforado viaje por la imaginación, obsesiones y vivencias del ser humano. Yo, aquí y en público, me confieso sorprendido, muy gratamente sorprendido por la calidad, brillantez y osadía de tu obra, escondido F B G.

 
 
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